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Histoire de Katie OHagans: Peintures à l'huile de figures et de portraits

Histoire de Katie OHagans: Peintures à l'huile de figures et de portraits


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Cet article de Christine McHugh est apparu pour la première fois sous le titre «Serious Serendipity» Numéro d'avril 2013 de Magazine.

Il est 20 heures, ses filles sont au lit et Katie O’Hagan se tient devant la toile vierge dans son studio encombré de 90 pieds carrés avec son chien, Seamus. «La peinture est un processus solitaire dans lequel je veux me perdre totalement», dit-elle. «Je veux chanter au rythme de la musique, parler à mon chien, me parler à moi-même, maudire ma peinture si elle ne coopère pas. Cela peut sembler égoïste, mais je ne veux pas avoir à penser à une autre personne, à parler ou à faire des pauses. De plus, je suis à peu près sûr qu'un mannequin qui accepterait de travailler pendant mes heures habituelles de 20 heures. à 3 heures du matin serait un peu cher. "

Pendant les 15 prochaines minutes, se référant parfois à plusieurs des 10 photos sur le moniteur à côté de son chevalet, O’Hagan agite ses mains, mesure les proportions dans l'air et ne fait aucune marque. Le placement de ce premier élément est important et, sans dessin détaillé auquel se référer et sans blocage sur la toile, elle réfléchit toujours par où commencer. Si cette coureuse énergique de longue distance avait de la place pour marcher et si cela pouvait aider à accélérer ce premier coup, elle le ferait. Impatiente, elle prend enfin son pinceau et commence à peindre - l'œil droit de son sujet.

«Une fois que l'œil est totalement précis», dit-elle, «je sais que je peux placer tout le reste correctement.» En quatre ou cinq heures, elle termine le «premier passage» sur la tête. Puis, généralement lors des sessions suivantes, en utilisant plus de peinture et en se déplaçant plus rapidement, elle procède au blocage et à la peinture des plus grandes formes de couleur dans la figure et l'arrière-plan, sans ordre particulier, en tenant parfois le pinceau horizontalement et verticalement pour l'aider à voir son globe oculaire les proportions (voir la démonstration de peinture de Katie O'Hagan au bas de cet article).

Lutter au départ

C’était un chemin détourné suivi par O’Hagan pour devenir artiste. Ayant grandi sur la côte nord de l'Écosse, elle a passé plus de temps à dessiner sur ses manuels et ses dossiers qu'à étudier, mais elle n'a suivi un cours d'art qu'à sa dernière année de lycée. Le professeur d'art Fergus Mather a remarqué une affiche qu'elle avait dessinée pour un concours et l'a convaincue qu'elle pouvait entrer à l'école d'art. «Je n’avais pas de meilleurs plans», explique O’Hagan, «alors j’ai abandonné les mathématiques, que je détestais de toute façon, et je suis passé à l’art.»

O'Hagan a fini par aller au Edinburgh College of Art mais ne s'est jamais sentie à sa place. «Je n'avais fait que des dessins et quelques pastels», dit-elle, «et je voulais apprendre à peindre, mais j'étais totalement intimidée par le département de peinture. " Elle ne comprenait pas la plupart du travail conceptuel que faisaient les gens. «Rien de tout cela ne semblait accessible», dit-elle, «et je savais que mon esprit ne fonctionnerait jamais de cette façon.»

Elle a donc suivi des cours de design, étudié le travail des métaux et l'orfèvrerie - et n'a jamais touché un pinceau dans une école d'art. Quand elle a obtenu son diplôme en 1993, elle a déménagé immédiatement à New York «sans plan clair, sans emploi, sans appartement et environ 600 $» dans sa poche. Elle se leva rapidement et passa la prochaine décennie à travailler principalement dans les industries du cinéma et de la télévision et à profiter d'une vie sociale bien remplie.

Recherche d'expression

Pendant tout ce temps, O’Hagan a été «entravée par une impulsion créative frustrante et indéfinissable», mais elle n'avait aucune idée de la forme que cela devait prendre. Elle a essayé d'écrire des scénarios et de jouer du violon dans un groupe, mais rien ne semblait tout à fait correct. "Je dessinais parfois des amis comme un truc de fête", dit-elle, "mais à part ça, je ne pensais pas à l'art."

Sa vie s'est un peu ralentie après avoir eu ses deux filles. La famille a quitté la ville et elle a quitté le travail pour rester à la maison. «Bien que j'aimais être maman», dit-elle, «je me suis vite agitée avec la routine domestique et je me suis retrouvée à griffonner sur des bouts de papier et dessiner des fruits ou tout ce qui traînait.»

Fonctionnement sans manuel

En 2004, sur un coup de tête, elle décide de s'essayer à la peinture et achète sa première série d'huiles. «J'ai fait un portrait du fils d'un ami», dit-elle, «et j'ai immédiatement commencé à peindre. C'était comme la chose qui avait été juste en face de mon visage toute ma vie - et je le voyais enfin. » Elle travaillait principalement lorsque les enfants faisaient la sieste et après qu'ils étaient au lit le soir. «J'ai peint chaque fois que je le pouvais; Je n'ai jamais eu à me forcer à le faire. J'ai visité des musées et des galeries pour la première fois et je me suis approché des toiles, essayant de comprendre comment les peintures étaient faites. »

 

O’Hagan est convaincue que son développement non systématique et «aléatoire» en tant qu'artiste est la seule voie qu'elle aurait pu emprunter. «Avant, je me sentais très gênée par mon manque de formation formelle», dit-elle, «mais je n'ai jamais été très douée pour faire attention en classe ou avec des tâches répétitives, donc je pense que j'aurais eu du mal à rester concentré. "

Jamais une personne pour «lire le manuel», elle a tendance à comprendre les choses elle-même, au fur et à mesure, ce qui, admet-elle, n'est pas toujours la méthode la plus efficace mais la maintient engagée. «Il y a certainement beaucoup de choses que j'aurais pu découvrir plus rapidement et plus facilement dans un environnement d'enseignement, mais j'y arrive généralement par l'observation et les essais et erreurs. Avoir une capacité décente à regarder quelque chose et à obtenir rapidement une représentation précise a été mon plus grand atout et c'est probablement la raison pour laquelle je suis capable de travailler comme je le fais. " Elle dit qu'elle a également eu la chance de rencontrer et de devenir amis avec plusieurs artistes, dont Paul W. McCormack et Daniel Sprick, qui l'ont inspirée lorsqu'elle a commencé à peindre et lui donnent toujours de précieux conseils.

Peinture à partir de photos

Ces jours-ci, O’Hagan peint dans son petit studio, presque toujours à partir de photos. "Il est pratiquement impossible d'y installer un modèle vivant", dit-elle, "d'autant plus que j'ai tendance à travailler à une échelle relativement grande." Avec un moniteur à côté de son chevalet, elle se réfère généralement à au moins cinq à 12 photos, zoomant au besoin et ajoutant ses propres éléments maquillés. "Je ne copie pas servilement une photo parce que je trouve ça ennuyeux, mais heureusement je suis un très mauvais photographe, donc ce n'est jamais une option."

Pour À couper le souffle (ci-dessus), elle a fait référence à 10 à 12 photos. La tête, le corps et les cheveux du sujet proviennent tous de références différentes. Elle a constitué la majeure partie du paysage mais a vérifié les photos pour le gravier et les rochers. «J'ai demandé à la pauvre mannequin de gravir une montagne pour les prises de vue», dit-elle, «alors même si les photos ne se sont pas très bien déroulées, je me suis débrouillée plutôt que de la refaire. En fait, j'aime un peu le défi créatif qui vient avec la lutte contre le matériel de référence médiocre dans une peinture réussie. "

Prendre un détour

Il y a encore quelques années, O’Hagan était attiré par des portraits plus simples et faisait de nombreuses commandes. Quand elle n'était pas devant le chevalet, elle réfléchissait à la façon de résoudre divers problèmes techniques, mais depuis lors, sa peinture a radicalement changé.

Au début de 2010, un peu fatiguée de la peinture de portrait commandée, l'artiste a commencé à esquisser des concepts pour des peintures «plus ambitieuses» et à écrire des idées dans un cahier, mais elle était trop nerveuse pour les mettre sur toile, pour «faire un peinture plutôt qu’un portrait. ” Le tournant pour O’Hagan a été le processus de peinture La vie Radeau (ci-dessus), qui a coïncidé avec son divorce plutôt soudain. Elle était tellement gênée par le sujet littéral et personnel qu'elle tournait la pièce contre le mur chaque fois qu'elle quittait son studio. «C'était la dernière peinture que j'ai faite dans mon ancien atelier, ma vieille vie», dit-elle, «donc c'était assez émouvant. Tout ce qui se passait en dehors du studio était si lourd et si triste que je m'y suis échappé chaque fois que je le pouvais. J'ai alterné entre me sentir très désolé pour moi-même et plutôt amusé par le sujet surmené; alors je craignais que personne n'obtienne le léger aspect ironique de celui-ci. C’était à la fois une représentation à couper le souffle et une «pisse» de mon état d’esprit. »

Ce qu'était ce tableau pour O’Hagan, par-dessus tout, était un processus très engageant. "Je ne m'ennuyais pas ou ne pilotais pas", dit-elle, "et, plus que cela, cela m'a ouvert à une nouvelle façon de penser à quoi peindre. J'ai vu comment traiter visuellement ce qui se passait en interne. Je n'avais jamais fait ça, et c'était effrayant mais grisant. "

Accueillir le voyage

Depuis la peinture Canot de sauvetage, O’Hagan a été «plongée dans» ce qu’elle appelle ses peintures «triste dame», dont deux présentent l’artiste comme sujet. Plus sombres que ses travaux antérieurs, ces études psychologiques relatent son parcours émotionnel alors qu'elle lutte avec la solitude et ce que cela peut signifier: anxiété, abandon, solitude, introspection. Les émotions de ses sujets - ses émotions - sont palpables, exposées. (L'une des séries, Pitié Party, a remporté la deuxième place dans les figures / portraitsMagazineDu concours annuel d’art et a paru dans son numéro de décembre 2012.)

L'artiste n'a pas délibérément décidé de peindre cette série. «J'ai l'impression que je n'avais même pas le choix», dit-elle. «Les idées ressemblaient à des enfants qui réclament mon attention, et la seule façon de les faire taire était de se concentrer sur elles - les plus« minces »en premier.» Et alors qu'elle terminait chacun, elle se sentit un peu plus fermée sur ce qui s'était passé dans sa vie.

Aujourd'hui, O’Hagan a accepté sa situation personnelle et les choses se sont arrangées pour elle, mais sa nouvelle perspective sur la peinture demeure. «J'ai plus d'idées que je n'aurai jamais le temps de peindre», dit-elle. «Passer par un divorce est une période de repli sur soi - j'étais absorbé, je suppose - et cela se reflète dans le travail pour l'instant. À mesure que j'avance et que les idées deviennent moins liées à ma propre situation, mon objectif est de continuer à faire un travail qui signifie quelque chose pour moi mais qui n'est pas si spécifique. Le travail de commission a été formidable en tant que processus d'apprentissage mais, étant arrivé si tard dans le jeu, je n'ai vraiment pas le travail que je veux. Avec cette série «triste dame», j’ai mes premières vraies peintures qui ont l’impression qu’elles font partie de moi et correspondent à mon esthétique. Transformer une idée en une bonne peinture est une trajectoire d'apprentissage en soi, et je suis encore aux toutes premières étapes de ce voyage. "

Dans Aucun homme n'est une île, Thomas Merton a écrit: «L'art nous permet de nous retrouver et de nous perdre en même temps.» Katie O’Hagan incarne cette merveilleuse dichotomie chaque fois qu'elle prend son pinceau.

Démonstration de peinture à l'huile: «Cobbling Together» une figure

Par Katie O’Hagan

Il m'est difficile de décrire comment je travaille parce que mon approche de la peinture est aussi aléatoire que presque tout le reste de ma vie. N'ayant pas appris à peindre dans une école d'art, j'ai développé un procédé inhabituel - qui pourrait ne pas bien fonctionner pour certains. Plutôt que de commencer par un dessin détaillé ou même de bloquer la figure, je commence généralement par un œil et je m'éloigne de là. Ce qui suit n'est pas une démonstration complète et détaillée, mais j'espère que mes explications vous permettront de comprendre ma méthode.

1. Bien que cet œil semble assez loin, ce n'est vraiment que le premier passage. Je souhaite simplement obtenir une approximation de la couleur et de la valeur à ce stade. Une fois que le placement des yeux est totalement précis, je sais que je peux positionner tout le reste correctement. Bien que je ne fasse aucune mesure complexe, je tiendrai le pinceau horizontalement et verticalement de temps en temps pour être sûr que tout tombe où il devrait.

2. Dans un délai de quatre à cinq heures, je fais habituellement un bon premier passage de la tête. Pour la première passe, j'éclaircis généralement la peinture avec un peu de térébenthine. Ensuite, je passe à un milieu de deux parties de térébenthine pour une partie d'huile de stand.

Pour mélanger les tons chair, j'utilise généralement du flocon blanc mélangé à de l'alizarine cramoisi, du bleu céruléen et de l'ocre jaune. Ce mélange accomplira à peu près n'importe quel teint que je recherche. Pour certains reflets, je passe du bleu céruléen au bleu outremer. Pour les peaux plus foncées, j'ajoute du brun Vandyke. J'utilise également des touches de vermillon ici et là pour mes rouges plus chauds et les zones de couleur plus intenses, par exemple dans les joues et le bout des doigts.

3. Une fois la tête terminée, j'obtiens de plus gros pinceaux et plus de peinture, accélère et commence à bloquer dans de grandes sections du reste de la peinture. Aucun ordre défini. Je me concentre généralement sur une grande section par session de peinture, je n'ai donc pas à nettoyer ma palette et mes pinceaux.

J'ai du mal à rester intéressé quand je ne peins pas une figure. En fait, cela peut être un peu un problème lorsque je dois peindre un arrière-plan; Je m'ennuie facilement et peut être un peu slapdash. J'essaie de me forcer à apporter le même soin aux autres éléments d'une peinture que je mets dans la figure.

4,5. Bien que la précision soit importante dans les premiers stades, je ne panique pas si j'ai dérivé du matériau source - en fait, la dérive est presque une donnée. J'utilise rarement le même matériau source pour la tête et le corps, donc une certaine quantité de «fudging» est nécessaire lors de leur jonction. Cette peinture ne fait pas exception. La tête et le corps proviennent d'images différentes, toutes deux sous des angles légèrement différents. La main à son cou est d'un tiers. Cette méthode signifie que je dois rester flexible et être prêt à dévier de la référence. Les photos sont souvent déformées et, si vous avez un sens décent des proportions, vous vous retrouverez automatiquement à ajuster pour corriger la distorsion la plupart du temps. Cette approche du «bricolage» n’est pas toujours totalement réussie, mais avec le temps, elle est devenue plus facile et plus instinctive.

Peinture terminée: À gauche, vous voyez ma peinture à l'huile terminée Presque à la maison. Parfois, j’ai une idée très claire de la disposition exacte d’une peinture avant de commencer, et parfois elle est plus vague et je la découvre au fur et à mesure. Je ne suis pas assez discipliné pour avoir toujours mes canards de suite. Je finis parfois par retaper la toile ou poncer le premier passage et recommencer. Cela est généralement nécessaire lorsque l'idée change une fois que j'ai déjà commencé.
Je travaille généralement sur plusieurs tableaux à la fois, ce qui me permet de rester intéressé mais peut causer des problèmes quand un tableau est resté assis pendant un certain temps. Ensuite, quand j'y reviens, j’ai repensé l’idée et je veux changer les choses. J'essaie de me faire terminer un morceau avant de passer au suivant.

Détail de la peinture finie: En fait, mes méthodes de peinture continuent d'évoluer. Quand j'ai commencé à peindre, je détestais faire des mains et je m'assurais que les sujets avaient toujours leurs mains derrière le dos ou dans leurs poches. Cela a définitivement changé, et maintenant les mains sont souvent la partie la plus amusante de la peinture pour moi, comme cela peut être évident dans le gros plan (à gauche) de la version finale de Presque à la maison.

Apprendre encore plus

  • Lisez des extraits d’une entrevue avec Katie O’Hagan.
  • Apprenez à dessiner et à peindre la figure avec le téléchargement de la vidéo Dessiner et piquer les gens avec John Raynes: Anatomie du corps, partie 2.
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